London

2022-07-20  15:30

Jesus i sina föräldrars hus av John Everett Millais målades 1849-50 och föreställer den heliga familjen i Josefs snickeriverkstad. Målningen var extremt kontroversiell när den först ställdes ut, vilket ledde till åtskilliga negativa recensioner. Det gav även det tidigare relativt obskyra prerafaelitiska brödraskapet ryktbarhet och bidrog starkt till debatten om realism inom konsten. Prerafaeliterna inspirerades av 1400-tals konsten, innan renässansens starkt idealiserade skildringar av människan, något man ansåg startade med Rafael. Egentligen var det inte så mycket Rafael man var kritisk emot som Sir Joshua Reynolds, grundaren av Royal Academy of Arts vars ande, trots att han dött 100 år tidigare, fortfarande hängde tung över den brittiska konsten. Målningen föreställer den unge Jesus som hjälper Josef i hans verkstad. Jesus har gjort illa sin hand på en blottad spik, och en droppe har fallit på hans fot, något som förebådar korsfästelsen. Spiken, tången som Anna håller i och stegen som står lutad mot väggen är alla Arma Christi, symboler för korsfästelsen. På stegen sitter en duva, en  symbol för den Helige Ande. En ung pojke, som som på sin klädsel känns igen som Johannes Döparen, kommer med vatten för att tvätta såret, symboliserande hans senare dop av Kristus. Ovanför Jesus huvud syns en triangel, en symbol för treenigheten.

2022-07-20  15:31

Jungfru Maria barndomstid målad 1849 av Dante Gabriel Rossetti, tillsammans med Millais en av grundarna av det prerafaelitiska brödraskapet. Rossetti började arbetet med tavlan sommaren 1848 för att få det färdigt för utställning i mars 1849. Motivet var ett vanligt ämne inom medeltida och renässanskonst och brukar visa Mary med en bok i knät där hennes mamma, Anna, lär henne att läsa. Istället visar Rossetti Maria broderande en lilja, en traditionell symbol för Marias renhet, under Annas ledning medan hennes far, Joachim, beskär en vinstock i bakgrunden, med hänvisning till Kristi ankomst, "Jag är den sanna vinstocken" Johannes 15:1. Vinrankan är formad som ett kors, vilket förebådar Kristi passion. Modellerna tog han hemifrån, Anna porträtterades av hans mamma Frances, syster till John Polidori, Lord Byrons läkare och författare till den första moderna vampyrromanen The Vampyre. Hans syster Christina Georgina satt modell för Maria och familjetjänaren Williams för Joachim. Den fick ett allmänt gott mottagande och goda recensioner på den Fria utställningen. Den köptes för £80 av Louisa, markisinnan av Bath, hustru till John Thynne, 4:e markisen av Bath och en familjevän till familjen Rossetti. År 1864 ägdes tavlan av Lady Louise Fielding, som det året skickade tillbaka den till Rossetti för ommålning - han ändrade ängelns vingar från vita till djupt rosa och Marias ärmar från gula till bruna. Den ursprungliga ramen med sina rundade övre hörn ersattes också av en rektangulär ram med två av Rossettis sonetter på sin bas.

2022-07-20   15:32

Ophelia målades av Millais under 1851 och 1852, två år efter Jesus i sina föräldrars hus. Tavlan föreställer Ofelia, från William Shakespeares Hamlet, sjungande flyta ned för en flod i Danmark innan hon drunknar. Verket mötte en blandad respons när det först ställdes ut på Royal Academy, men har sedan dess kommit att ses som ett av de viktigaste brittiska artonhundratals verken. Tavlan målades i två steg. Efter att ha hittat en lämplig miljö för målningen, Hogsmill River i Ewell, tillbringade Millais upp till 11 timmar om dagen, sex dagar i veckan, under en femmånadersperiod där. Under hösten när vädret blev sämre byggde han en liten hydda att sitta i. Efter att naturen var klar flyttade han målandet in till sin ateljé på 7 Gower Street i London. Här fick konstnärskollegan och modellen Elizabeth Siddall tillbringa de kommande månaderna liggande i ett badkar iklädd en brudklänning. Eftersom det nu var vinter sattes oljelampor under karet för att värma vattnet, men så fokuserad var Millais på sitt arbete att han lät dem slockna. Som ett resultat fick Siddall en svår förkylning, och hennes far skickade senare ett brev till Millais och krävde £50 för sjukvårdskostnader. I ett tidigt skede av målningens tillkomst målade Millais en vattensork, som en assistent hade fiskat upp ur Hogsmill, simmande bredvid Ofelia. I december 1851 visade han den ofullbordade målningen för två släktingar till Holman Hunts, en konstnärskollega med ateljé i närheten. Han antecknade i sin dagbok, "Hunts farbror och faster kom på besök, som båda med största glädje förstod varje föremål utom min vattenråtta. Den manliga släktingen, när han uppmanades att gissa vad det var, svarade ivrigt att det var en hare. Genom våra leenden förstod han att han hade gjort ett misstag, han chansade då på en kanin. Därefter har jag ett svagt minne av att en hund eller en katt nämndes." Millais målade ur vattensorken från den slutliga tavlan.

2022-07-20  15:33

Elizabeth Siddall, själv konstnär och poet, målades och tecknades flitigt av konstnärer från det prerafaelitiska brödraskapet. Medan hon arbetade i en hattbutik i Cranbourne Alley, London, blev Siddall bekant med Walter Deverell, som anlitade Siddall som modell och introducerade henne för övriga prerafaeliter. Dante Gabriel Rossetti träffade Siddall 1849, förmodligen medan de båda stod modell för Deverell. År 1851 hade hon blivit Rossettis musa, och han började måla nästan uteslutande henne. Han stoppade även Siddall från att sitta modell åt andra. 1852 började hon studera för Rossetti och flyttade samma år in i hans Chatham Place-bostad. De blev därefter alltmer asociala och absorberade av varandra. 1855 började konstkritikern John Ruskin, vars hustru orsakat skandal då hon lämnat honom för Millais, att subventionera hennes karriär och betalade 150 pund per år i utbyte för alla teckningar och målningar hon producerade. Hennes skisser liknar andra prerafaelitiska kompositioner vilka illustrerar Arthur legenden och andra idealiserade medeltida teman, och hon ställde ut med prerafaeliterna på sommarutställningen på Russell Place 1857. Siddall skrev även poesi under denna period, ofta med mörka teman om förlorad kärlek eller sann kärleks omöjlighet. Eftersom Siddall kom från en arbetarfamilj var Rossetti rädd för att presentera henne för sina föräldrar. Siddall blev offer för hård kritik från hans systrar. Vetskapen om att hans familj inte skulle godkänna det bidrog till att Rossetti försenade äktenskapet. Siddall verkar även ha trott, med viss rätt, att Rossetti alltid försökte ersätta henne med en yngre musa, vilket bidrog till hennes depressiva perioder och sjukdom. Vid bröllopet var hon så svag och sjuk att hon måste bäras till kyrkan, trots att det låg bara fem minuters promenad från deras bostad. Hon blev svårt deprimerad och hennes långvariga sjukdom gav henne tillgång till laudanum som hon blev beroende av. 1861 blev Siddall gravid, vilket slutade med en dödfödd dotter. Dödfödelsen lämnade Siddall i en än djupare depression och den 10 februari 1862 överdoserade hon på laudanum i vad som troligen var ett självmord. Hon begravdes i Rossettis familjegrav tillsammans med manuskripten till alla hennes dikter. Rossetti ångrade sig dock några år senare och lät exhumera graven för att kunna publicera hennes poesi.

2022-07-21   10:16

Sankt Sebastian omkring 1502-3. Föga överraskande är ämnet för praktiskt taget alla tidiga målningar som Raphael utförde, innan sin första bekantskap med Florens och dess konst omkring 1505, religiöst. Oavsett om dessa var storskaliga och avsedda för offentliga sammanhang eller småskaliga och avsedda för privat bruk, kan de i grunden delas upp mellan målningar av Jungfrun och Barnet, antingen på egen hand eller med ytterligare helgon, och berättande scener. Den här målningen är unik bland Raphaels tidiga verk eftersom det är en porträtt av ett enda helgon som har ett attribut som gör att han lätt kan identifieras, i detta fall en pil. Sankt Sebastian, vars martyrskap innebar att han sköts full av pilar - "som en igelkott", enligt Den Gyllene Legenden, den oerhört populära 1200-tals sammanställningen av religiösa berättelser av Jacopo de Voragine – är här idealiserad. Vanligtvis avbildades han i helfigur, mer eller mindre naken, med kroppen fullskjuten av pilar. När det gäller målningens funktion hängde den med all säkerhet ihop med sambandet mellan Sebastian och helande, framför allt som ett helgon att be till i pesttider, vilket var en följd av att han överlevt att få kroppen full av pilar, bara att därefter lida martyrdöden genom halshuggning.

2022-07-21  10:19

Processionen till Golgata ca 1504-5. Berättelserna i de olika evangelierna i Nya Testamentet skiljer sig avsevärt angående exakt vad som hände på vägen till Golgata: Matteus och Markus antyder att uppgiften att bära korset nästan från början gavs till Simon från Kyrene, medan Lukas antyder att han efter att Jesus först burit korset att tag tog över det (Luk. 23:26: "När de förde bort honom hejdade de en man från Kyrene som hette Simon och som var på väg in från landet och lät honom ta korset på sig och bära det efter Jesus.") medans Johannes inte alls nämner Simon från Kyrene (Joh. 19:17: "Han [Kristus] bar själv sitt kors ut till den plats som kallas Skallen, på hebreiska Golgota"). I bildtraditionen har det varit vanligt att visa ögonblicket när Simon av Kyrene tog över bärandet av korset, vilket är precis vad Rafael gör här. Målningens format beror på att den ursprungligen utgjorde mittsektionen av predellan på en altartavla, ursprungligen i franciskanerklostret S:t Antonio i Perugia, ett verk vars huvudpanel av Madonna och Barnet tronade med Helgon, krönt av en lunett av Gud Fadern mellan två änglar idag finns på Metropolitan Museum of Art, i New York.

2022-07-21  10:22

De två miniatyrerna föreställande S:t Göran respektive Ärkeängeln Mikael har samma mått och var troligen redan då de målades tänkta att höra samman. Båda tavlorna föreställer en helgonkrigare – en mänsklig respektive en ängel - som kämpar med ett monster och visar det godas triumf över det onda. De båda målningarna knyts även samman av S:t Görans röd-vita lans, och Mikaels röd-vita sköld. S:t Görans häst är helt klart inspirerad av den högra häststatyn som tillhör en av de två Dioscuri som på Rafaels tid - liksom nu – står på Quirinalen i Rom. Rafaels första dokumenterade besök i Rom var först 1508, men det finns två möjliga förklaringar till hans användning av denna källa här. Antingen att han besökt Rom betydligt tidigare än vi känner till, eller att han sett skisser av hästen.

2022-07-21  10:23

I italiensk konst är djävlar och demoner oftast humanoida, kanske med svansar, horn och vingar, men i grunden ganska människolika. De demoner Mikael här slåss med har ett betydligt mer groteskt, nordeuropeiskt utseende, som hämtade från Bosch, eller, som här antagligen är fallet, från Dürer, vars grafiska blad Rafael var en stor beundrare av.  I målningen finns även flera referenser till en av tidens mest populära böcker, Dantes Divina Commedia. Längst till vänster ses halvöppna sarkofager ur vilka lågor ses slå ut, detta var sättet kättare skulle komma att straffas i helvetet enligt Dantes Inferno, Canto X. Till vänster om dessa ses en procession av gyllene figurer, detta är hycklarna. Enligt Canto XIII skulle dessa straffas genom att tvingas bära gyllene kappor, men vars insida i själva verket var av bly. Längst till vänster straffas tjyvarna, i enlighet med Canto XXIV-XXV, med ormar.  

2022-07-21  10:31

Jungfrun och Barnet med Johannes Döparen och Sankt Nikolaus av Bari. Denna Jungfru och Barn sittande på en tron med helgon vid sina sidor målades som en altartavla till familjen Ansideis kapell i S:t Fiorenzo kyrkan, i Perugia. Mecenaten var tydligen en lokal köpman, Niccolo di Filippo di Ansideo 'de Catrano' (1469—efter 1527). Sankt Nikolaus av Bari och Johannes Döparen inkluderades som skyddshelgonen åt honom och hans äldsta son, Giovanni Battista. En förstudier till målningen som finns bevarade i Frankfurt är indelad i 6 x 9 kvadrater, något som en teknisk analys även funnit inristade i panelen under den färdiga målningen. Förstudien inkluderar märkligt nog Sankt Nikolaus av Tolentino istället för än Sankt Nikolaus av Bari. Det är oklart om detta berodde på att målningen ursprungligen påbörjats innan han ännu fått Ansidei som mecenat, eller om han helt enkelt missförstått de instruktioner som han givits angående motivet.

2022-07-21  11:08

Tidigare känt som Rafaels "Självporträtt med en vän" eller "Raphael och hans fäktmästare"; ett tidigt försök att förklara svärdsfästet som är synligt framför den högra figuren. Idag är det tämligen allmänt accepterat att det föreställer Rafael och hans främste assistent, Giulio Romano. De båda hade ett väldigt nära förhållande, men det var också ett klart hierarkiskt förhållande. Enligt Vasari såg Rafael Giulio närmast som sin son. Rafael håller sin hand beskyddande på sin protegés axel medans Giulio ser upp på sin mästare för att visa honom vad han åstadkommit. Rafael å sin sida visar att Giulio är hans konstnärlige arvinge. Målnngen gjordes under Rafaels sista levnadsår. Efter Rafaels död försökte Michelangelo få ta över färdigställandet av Rafaels stanzer i Vatikanen, men Giulio och Rafaels övriga assistenter tilläts istället göra klart dem. Giulio kom senare i livet att bli mer betydande som arkitekt än som konstnär. Han är även den ende renässans konstnär att nämnas vid namn i något av Shakespeares verk.  

2022-07-21   11:58

Den Välsignade Gabrieles Syn av Carlo Crivelli. Målningen hängde ursprungligen över den välsignade Gabriele Ferrettis grav i det lilla klostret San Francesco i Alto utanför Ancona. Liksom den helige Franciscus kom Gabriele från en rik familj men avsade sig allt för ett liv i fattigdom. Han blev känd för sin hängivenhet för fattiga och sjuka och för sina visioner av Jungfrun och Barnet. Jungfrun och Jesusbarnet visar sig här för Gabriele i en mandorla, en mandelformad aureola som ofta innesluter Jesus och/eller Maria i medeltida konst. Crivelli föddes i Venedig i början av 1430-talet till en familj av konstnärer, men han fick, liksom Franco Zoppo och Andrea Mantegna, sin konstnärliga skolning under Francesco Squarcione i Padua. Fruktrankorna i målningen, som kom att bli något av ett kännetecken för Crivelli, var något han tog med sig från Squarcione. Även om konstnären annonserade sitt venetianska ursprung med sin signatur, ofta någon variant av Carolus Crivellis Venetos ("Carlo Crivelli från Venedig"), verkar Crivelli ha arbetat främst i Marche, och särskilt i och nära Ascoli Piceno. Endast två av hans målningar finns idag i Venedig, båda i kyrkan San Sebastiano.  Efter att ha lämnat Veneto 1458, efter ett sex månaders fängelsestraff för äktenskapsbrott, utvecklade Crivelli han en distinkt högst personlig stil som skiljde sig avsevärt från hos hans samtida venetianska konstnärskollegor som Giovanni Bellini. En betydligt mer konservativ sengotisk stil som stod i bjärt kontrast till de moderna renässanskonstnärerna. Han målade endast i tempera, trots oljemålningens ökande popularitet under hans livstid, och på paneler, även om några av hans målningar senare har överförts till duk.

2022-07-21  11:53

Katarina av Alexandria och Maria Magdalena, två paneler från en isärplockad polyptyk målade av Carlo Crivelli. De båda var vid sidan av Jungfru Maria de två populäraste kvinnliga helgonen. Maria Magdalena känns igen på sitt smörjelsekar och Katarina på hjulet med taggar på vilket hon skulle torteras ihjäl, men som gick sönder då man försökte. Enligt traditionen var Katarina dotter till Constus, guvernören i Alexandria under kejsaren Maximianus (286-305). Från en ung ålder ägnade hon sig åt studier. En vision av Jungfru Maria och Jesusbarnet övertygade henne att bli kristen. När förföljelserna började under Maxentius gick hon till kejsaren och tillrättavisade honom för hans grymhet. Kejsaren sammankallade 50 av de bästa filosoferna för att i en debatt motbevisa hennes pro-kristna argument, men Catherine vann debatten. Flera av hennes motståndare övertygades av hennes vältalighet att genast förklara sig kristna och dödades genast. Kejsaren gav order att Katarina skulle torteras och sedan kasta henne i fängelse. Under hennes fängelsetid kom mer än 200 personer för att träffa henne, inklusive Maxentius fru Valeria Maximilla; alla konverterade till kristendomen och blev därefter martyrer. Efter att Maxentius misslyckades med att få Katarina att ge efter genom tortyr, försökte han vinna över henne genom att föreslå äktenskap. Katarina vägrade och förklarade att hennes make var Jesus Kristus, till vilken hon hade helgat sin oskuld. Den rasande kejsaren dömde Katarina till döden på ett spikförsett rådbråkningshjul, men vid hennes beröring krossades det. Maxentius beordrade att hon skulle halshuggas. Katarina själv beordrade att avrättningen skulle börja. En mjölkliknande substans snarare än blod rann från hennes hals. Inget omnämnande av Katarina av Alexandria känt från före 900-talet, och hennes historicitet är tveksam. Anna Brownell Jameson var den första forskare som hävdade att Katarinas liv förväxlades med livet för den något senare neoplatonistiska filosofen Hypatia av Alexandria (d. 415). Hypatia var en grekisk matematiker, astronom och filosof, som mördades av en kristen mobb efter att ha anklagats för att förvärrat en konflikt mellan två framstående figurer i Alexandria, guvernören Orestes och biskopen Cyril. Tanken att Katarinas liv antingen var baserat på eller förväxlades med den hedniska Hypatias liv har blivit en populär teori bland moderna forskare sedan dess.

2022-07-21  11:54

2022-07-21   11:55

Denna stora altartavla målades av Carlo Crivelli 1491 för ett familjekapell i franciskanerkyrkan i Matelica, en liten stad i Marche. Ottoni var den lokala härskande familjen och deras vapen är placerade på den nedre kanten av huvudpanelen. Detta är en pala, en altartavla med en enda huvudpanel, precis som Den Välsignade Gabrieles Syn , snarare än en polyptyk. Ottonikapellet var högt och behövde en hög altartavla; inklusive ram och predella - de mindre målningarna under huvudmålningen - är tavlan cirka 2,5 meter hög. Ovanligt nog finns kontraktet för denna målning kvar, daterad till 11 mars 1491 berättar det att kostnaden för altartavlan på 310 guldfloriner skulle delas mellan Ranuccio Ottoni och Fra Giorgio di Giacomo, prior för franciskanerklostret i Matelica. De två helgonen som flankerar Jungfrun och Jesusbarnet återspeglar detta gemensamma företag; den lärde Sankt Hieronymus symboliserar prästens intressen och soldaten Sankt Sebastian för den riddaren Ottonis. Crivelli och hans arbeten föll i glömska efter hans död och Vasaris bok Berömda renässanskonstnärers liv, som visserligen har ett särskilt fokus på florentinska konstnärer, nämner honom inte över huvud taget. Han fick något av en renässans, särskilt i Storbritannien, under prerafaeliterna, av vilka flera, inte minst Edward Burne-Jones, beundrade hans arbeten. Hans rykte bleknade sedan åter då denna rörelse dog ut, men flera nya texter om hans verk och det faktum att hans tavlor åter hängts i National Gallery har väckt ett förnyat intresse för hans målningar.

2022-07-21  13:05

Madonnan med Barnet av Giovanni Bellini, troligen målad någon gång mellan 1480-och 1490. Bellini var en av de mest inflytelserika venetianska konstnärerna. Under hela hans karriär, som sträckte sig över 65 år, bodde och arbetade han i Venedig. Albrecht Dürer, som besökte Venedig omkring 1506, skrev att Giovanni "är mycket gammal och ändå är han den bästa konstnären av alla". Små bilder av Jungfrun och barnet gjorda för privat tillbedjan var en av Bellinis specialiteter och efterfrågan på dem var så stor att hans assistenter producerade ett stort antal i hans stil. Den här bilden ansågs tidigare vara målad av medlemmar i Bellinis verkstad, men infraröd reflektografi avslöjade att underritningen är så detaljerad och skicklig genomförd att den bara kunde ha gjorts av Bellini själv. En annan ledtråd om vem som målade bilden finns i granatäpplet – en symbol för Kristi lidande – som Jungfrun håller. Även om bilden ofta kallas "Madonnan med Granatäpplet" efter frukten, avslöjade infraröd reflektografi även att båda figurernas händer och armar var i andra positioner i den ursprungliga designen. Granatäpplet var med största sannolikhet ett senare tillskott. Förändringen – som troligen gjordes efter att målningen hade börjat – påverkade även andra delar av bilden: för att få plats åt händerna och granatäpplet var konstnären tvungen att måla över en del av Jungfruns blå dräkt med röd färg. Eftersom förändringen var så omfattande och gjordes i ett så sent skede var det mycket troligt att beställaren begärde det; att Bellini gick så långt för att införliva begäran visar att klienten uppenbarligen var viktig för honom. Det är därför mycket troligt att han, snarare än medlemmar av hans verkstad, målade bilden.

2022-07-21   13:06

Madonnan på Ängen även denna av Giovanni Bellini, troligen målad mellan 1500 och 1505. Giovanni föddes in i den ledande dynastin av venetianska målare. Han var troligen yngre bror till Gentile Bellini. Hans tidiga stil formades främst av hans far, Jacopo, men även av hans svåger Andrea Mantegna. Jungfru Maria, sitter på marken på en gräsbevuxen äng och tittar ned på det sovande Jesusbarnet i hennes knä. Marias huvuds subtila lutning åt höger är det enda som stör symmetrin i den ultramarina triangulära formen på hennes kropp som utgör scenens centrum. Giovanni Bellini var en av de första italienska målarna som använde naturliga, samtida miljöer för att förstärka innebörden av sina bilder. Det informella sättet som de heliga karaktärerna här står på den italienska landsbygden får dem att framstå som ödmjuka, lättillgängliga och jordnära. Här kontrasteras den stilla och tysta Jungfrun mot landskapet med oxar och herdar, samt en stad i bargrunden, för att skapa en mer meningsfull bild. Till höger ses även en trana i strid med en orm, något som den beläste betraktaren associerar till en vers hos Vergilius, men som även kan ses som en enkel allegori över det godas strid mot det onda. Barnets kroppsställning påminner om den i en pietà, där den döde Jesus ligger i Marias knä och förebådar därmed även korsfästelsen.

2022-07-21  13:09

Madonnan med Barnet av Giovanni Battista Cima da Conegliano, antagligen målad 1496-9. Cima var en av de mest produktiva konstnärerna i Venedig vid 1400-talets slut. Mer än trettio altartavlor av Cima finns kvar, fler än för någon av hans samtida. Enligt Vasari tränades Cima av Giovanni Bellini. Även om detta inte var ett formellt mästare / lärlings förhållande så är det tydligt att Bellinis konst hade ett formativt inflytande på honom. Trots att Cima inte heller var en speciellt  originell eller innovativ konstnär, verkar han ha haft en stor och effektiv verkstad. Dess produktion var stor, ofta variationer på en standardmall. Liksom Bellini gjorde han många bilder av Madonnan och barnet för hemmabruk. Barnet lutar sitt huvud mot Maria och de båda bildar tillsammans en triangel. Kompositionen tycks ha varit populär och ytterligare två målningar från Cimas verkstad existerar idag där grundskissen är densamma. Denna målning tros dock vara, åtminstone till största delen, av Cima själv. Staden i bakgrunden är förmodligen en ganska realistisk bild av 1400-talets Conegliano, Cimas hemstad.

2022-07-21   15:13

Madonnan med Barnet och Två Helgon av Francesco Francia, cirka 1500-1505. Francesco Raibolini, känd som Francia, var från Bologna. Han sågs som en viktig konstnär under sin livstid men hans berömmelse överskuggades av nästa generations högrenässansmålare. Hans stil var huvudsakligen baserad på Peruginos och var populär och blev mycket imiterad kring Bologna. Åter formar Maria här en triangel. Vi kan inte utläsa identiteten på det unga helgonet som står till vänster bakom Jungfrun. Han liknar evangelisten Johannes såsom han avbildas i andra verk av Francia, men kan inte vara Johannes, eftersom han håller ett palmblad, vilket är en symbol för martyrskap. Det äldre helgonet kan vara Sankt Hieronymus eller Den helige Antonius vilka båda vanligtvis avbildas som en skäggiga äldre man bärande munkkåpa och som håller i en bok. Francia använde den centrala bilden av Jungfrun och barnet flera gånger för andra kompositioner, men bytte ut de medföljande helgonen. En nästan identisk målning av Francia föreställande Madonnan med barnet flankerade av Sankt Sebastian och Den helige Antonius finns idag på Alte Pinakothek i München.

2022-07-21 15:33

Madonnan med Barnet och Två Änglar målad av Andrea del Verrocchio, cirka 1467-9. Verrocchio var en av de ledande konstnärerna i Florens i slutet av 1400-talet. Han sågs främst som skulptör, men ett antal viktiga målare utbildades i hans ateljé, bland dem Leonardo da Vinci. Kompositionen är nästan identisk med en av Botticelli, nu i Museo di Capodimonte, Neapel, som i sig troligen bygger på en målning av Fra Filippo Lippi. Röntgenbilder visar att konstnären ändrade flera detaljer när han målade: till exempel ersätter Jungfruns vadderade pannband en fläta och gloriorna har flyttats om. Den här typen av experimenterande visar vanligtvis att målningen gjordes av verkstadens mästaren – i det här fallet Verrocchio själv – till skillnad från någon av hans många elever, som vanligtvis gjorde målningar helt efter mästarens design.

2022-07-21 15:35

Madonnan med Barnet och Johannes Döparen målad av Filippino Lippi cirka 1480. Filippino ('lill-Filippo') föddes förmodligen i Prato 1457, son till Fra Filippo Lippi och Lucrezia Buti, detta efter att hans far, en karmelitermunk, hjälp nunnenovisen Lucrezia att rymma från sitt kloster. Efter Filippos död började Filippino som elev hos Botticelli, som tidigare varit elev hos hans far. Små målningar av Madonnan och Barnet med den unge Johannes Döparen, som denna, var en viktig inkomstkälla för konstnärer som arbetade i Florens på 1400-talet. Dessa verk dekorerade ofta sina ägares kammare och erbjöd dem ett visuellt hjälpmedel för bön och meditation. Inventeringar från denna period visar dock också att sådana bilder även kunde hänga i andra av husets rum.

2022-07-21 15:37

Madonnan med Barnet och Johannes Döparen av Pietro Perugino, målad någon gång mellan 1480 och 1500. Döpt till Pietro Vanucci, men kallad Perugino efter staden Perugia där han var verksam. I Perugia kom han att samarbeta med Raphael under dennes tid i staden. Var han fått sin utbildning är inte känt, men runt 1470 befann han sig i Florens och var verksam i kretsen kring Verrocchio. Gulddekorationen på Marias vänstra ärm hade en gång en inskription som löd "Petrus Peruginus", men Perugino signerade vanligtvis sina verk "Petrus Perusinus". Felstavningen tydde på att inskriptionen inte var original och när bilden rengjordes 1977 visade det sig vara ett mycket senare tillägg , från 1700- eller 1800-tal, och togs bort. Johannes ben hade även målats över med grå färg så att han såg ut som om han var på andra sidan bröstvärnet och stod bredvid Jungfrun, svårt att förstå varför. Detta var förmodligen en tidig restauratörs verk, eller möjligen samma person som lade till den falska guldinskriptionen.

2022-07-21  15:38

Madonnan med Barnet och Två Änglar målad av Andrea del Verrocchio assisterad av Lorenzo di Credi någon gång mellan 1476 och 1478. Denna målning är något större än de flesta gjorda för hemmabruk och, ovanligt nog, är figurerna belysta från höger. Det kan betyda att den gjorts för en specifik plats där det naturliga ljuset också kom in i rummet från höger – möjligen ett privat kapell i ägarens hus, en lyx som endast de rikaste medborgarna hade råd med. Det är logiskt att en sådan person skulle beställa ett verk från just Verrocchio; vars verkstad var den mest prestigefyllda i Florens och där han utbildade han flera framstående målare såsom Leonardo da Vinci och Botticelli. Här tycks Verrocchio ha låtit en av sina elever, Lorenzo di Credi, arbeta på vissa centrala delar av kompositionen inklusive Jesusbarnet och ängeln som håller upp Jesus. Lorenzo arbetade i Verrocchios studio från 1473 till efter Verrocchios död 1488 och samarbetade med honom i ett antal projekt. Lorenzos stil fokuserade mer på köttet än benstrukturen under, vilket kanske var anledningen till att han fick i uppdrag att måla det knubbiga Jesusbarnet. Att han arbetat på denna bild avslöjas även av hans ängels vänstra hand, där den underliggande strukturen av ben och muskler är mycket mindre uppenbara än i händerna på den andra ängeln, målad av Verrocchio.

2022-07-21 15:57

Madonnan med Barnet och Johannes Döparen av Domenico Ghirlandaio,troligen målad någon gång mellan 1480 och 1490. Domenico di Tommaso Curradi di Doffo Bigordi, känd som Domenico Ghirlandaio, var en var en av den så kallade "tredje generationen" inom den florentinska renässansen, tillsammans med Verrocchio, bröderna Pollaiolo och Sandro Botticelli. Ghirlandaio ledde en stor och produktiv verkstad vilken inkluderade hans bröder Davide Ghirlandaio och Benedetto Ghirlandaio, hans svåger Bastiano Mainardi från San Gimignano, och senare även hans son Ridolfo Ghirlandaio. Flera blivande konstnärer passerade igenom som lärlingar i Ghirlandaios verkstad, bland dem Michelangelo. Tavlor som denna, gjorda för privat tillbedjan i hemmet, fungerade inte bara som ett fokus för bön och meditation, utan också ett fiktivt fönster ut i ett vackert landskap.

2022-07-21 16:32

Madonnan i Grottan av Leonardo da Vinci, målad 1485-1508. Leonardo började sin konstnärskarriär i Florens men i början av 1480-talet erbjöd han sina tjänster till Milanos härskande familj, Sforzas. I Milano fick han uppdraget att måla Madonnan i Grottan. Målningen skulle vara en del av en storslagen altartavla med en stor Maria skulptur, troligen placerad ovanför den. Kapellet som altartavlan var avsedd för var i kyrkan San Francesco Grande, ett franciskanerkloster i Milano. Kapellet tillhörde det nybildade brödraskapet av Jungfru Marias Obefläckade Avlelse. Föreställningen om den obefläckade avlelsen, som dök upp på 1100-talet och var en mycket kontroversiell idé, men försvarades av franciskanerna. Idén var viktig eftersom för att Kristus skulle födas utan arvsynd, måste även hans mor, Maria, också vara fri från synd. Doktrinens anhängare hävdade att Jungfrun hade blivit avlad av Gud redan före världens skapelse och alltså före arvsynden. Leonardos målning beställdes kort efter att påven officiellt godkände firandet av högtiden 1477. Ämnet var alltså fortfarande så nytt att det inte fanns något standardiserat sätt att visa det, vilket gav Leonardo fria händer att skapa en ny komposition. De som stödde den obefläckade avlelsen försvarade sitt argument med hjälp av textpassager som uttryckte preexistensen av den Gudomliga Visdomen, vilken kom att förknippas med Jungfru Maria. En av dessa var en vers i Jesus Syraks vishet där Guds Visdom säger: "Från begynnelsen och före världen blev jag skapad, och till den kommande världen skall jag inte upphöra att vara". Detta kan förklara varför Leonardo har placerat figurerna i en skuggig grotta, med utsikt över ett vattenlandskap. Dessa primitiva element tyder på att scenen utspelar sig i skapelsens tidigaste ögonblick: de första verserna i den bibliska skapelseberättelsen berättar om Gud som skapade jorden ur vattendjupet.

2022-07-22   11:26

Salvator Rosa (1615 -1673) är idag mest känd som en italiensk barockmålare, vars romantiserade landskap och historiemålningar vilka ofta utspelades i mörk och otämjd natur. Han utövade stort inflytande inom konsten från 1600-talet in i början av 1800-talet. Han var en av sin livstid mest berömda konstnärer, känd för sin flamboyanta personlighet, och även sedd som en skicklig poet, satiriker, skådespelare, musiker och grafiker. Han var aktiv i Neapel, Rom och Florens, där han ibland var tvungen att flytta mellan städer, eftersom hans svidande satir gav honom fiender i dåtidens konstnärliga och intellektuella kretsar. Som historiemålare valde han ofta obskyra och esoteriska ämnen från Bibeln, antik mytologi och filosofernas liv, ämnen som sällan togs upp av andra konstnärer. Han målade sällan de vanliga religiösa ämnena, såvida de inte kunde dominerades av det vilda landskapet. Han kom att ha ett enormt inflytande på romantiken och blev något av en kultfigur i slutet av 1700- och början av 1800-talet. Myter och legender, till och med romaner och operor, växte fram runt hans liv, så till den grad att hans verkliga liv knappt skiljdes från de banditer och utstötta som strövade omkring i de vilda och åsktyngda landskap han målade. I mitten av 1800-talet, med realismens och impressionismens framväxt, föll hans verk i glömska och fick från och med nu mycket lite uppmärksamhet. Ett visst förnyat intresse för hans målningar uppstod i slutet av 1900-talet, även om han idag inte rankas bland de främsta av barockmålarna. Häxor vid sina besvärjelser målades förmodligen omkring 1646 till den florentinske bankiren och samlaren Carlo Rossi. under en period då häxprocesserna fortfarande pågick i norra Italien. Sådana tavlor tilltalade lärda samlare som uppskattade det bisarra och besynnerliga och som fyllde sina kuriosakabinett med naturlig och konstnärliga kuriosa. Enligt ett brev skrivet av Rosa hängde målningen i slutet av ett långt galleri bakom ett draperi som att Rossi dramatiskt kunde dra isär för att chockera den intet ont anande besökaren.

2022-07-22   12:24

Den Förhäxade Mannen. En målning av Francisco Goya från 1798. Scen är baserad på en satirisk pjäs som framfördes första gången 1698, De Tvångsförhäxade. Den motvillige prästen Don Camillo skräms till att gifta sig med Doña Leonora. Han har fåtts att tro att en slav, Lucia, har förhäxat honom, och att hans liv bara kommer att vara så länge som lampan i hennes rum förblir tänd. Tavlan visar den vilseledda och skräckslagna Camillo fylla på oljan i lampan, i form av en nästan naturlig stor bagge. Inskriptionen längst ner till höger innehåller den första delen av två ord, lampara descomunal ('monstruös lampa') - orden som den rädda och vidskepliga Claudio ropar högt medans han häller oljan. Men pjäsen är en komedi, och hjältens överdrivna pose och stirrande ögon är avsedda att få oss att skratta åt hans godtrogenhet. Målningen var ett privat uppdrag, en av sex scener av häxkonst och trolldom som målades för hertigen och hertiginnan av Osuna 1798 och ställdes ut tillsammans på Kungliga Akademien i Madrid året därpå. Paret Osuna var Goyas mest lojala beskyddare mellan 1785 och 1799. Deras palats i Madrid och lanthuset i utkanten av staden fungerade som mötesplatser för konstnärer, skådespelare och musiker, och Goya gick förmodligen på den privata teatern som paret ägde. Hertiginnan var en ivrig reformator av det spanska samhället, kritisk till kyrkans korruption och vidskepelsen hos människor som fortfarande trodde på häxkonst.